Telegram https://www.lumen-sch.ru ru «Levee» Адрианы Олт https://www.lumen-sch.ru/tpost/4lxnzlh8c1-levee-adriani-olt https://www.lumen-sch.ru/tpost/4lxnzlh8c1-levee-adriani-olt?amp=true Tue, 15 Apr 2025 15:41:00 +0300 Сегодня хотим рассказать вам о проекте «Levee» Адрианы Олт (Adrianna Ault).

«Levee» Адрианы Олт

Сегодня хотим рассказать вам о проекте «Levee» Адрианы Олт (Adrianna Ault).

Адриана выросла в Новом Орлеане, где 350-мильная система дамб контролирует и сдерживает паводковые воды. Свой проект Олт начала с идеи лучше узнать и понять ландшафт, окружающий город. Однако за время создания (2017 - 2022) проект развивался, охватывая изменения в семье, путешествия, которые они совершали, и переживание потери. Дамба стала метафорой барьеров, построенных в попытке противостоять неизбежному упадку, натиску времени и природы.

Художница о проекте:

Среди постоянно меняющегося мира, хаоса, взросления, потерь, смеха и слёз наступил момент, когда мне стало трудно дышать. Мне казалось, что я тону. Я вышла к дамбе на реке Миссисипи у дома моей матери и бродила со своей камерой.

Фотографирование знакомых мест не выходило за рамки боли от потери матери или радости самой быть матерью. Скорее оно было за гранью всего этого. Это тихое место, где я могла найти укрытие, почувствовать разрывающую сердце утрату и что можно найти на этом пути.

Серия «Levee» была издана в форме книги издательством VOID в 2023 году.A balancing rock, also called balanced rock or precarious boulder, is a naturally occurring geological formation featuring a large rock or boulder, sometimes of substantial size, resting on other rocks, bedrock, or on glacial till. Some formations known by this name only appear to be balancing, but are in fact firmly connected to a base rock by a pedestal or stem.
]]> Как устроена художественная практика? https://www.lumen-sch.ru/tpost/lv7ojr6v41-kak-ustroena-hudozhestvennaya-praktika https://www.lumen-sch.ru/tpost/lv7ojr6v41-kak-ustroena-hudozhestvennaya-praktika?amp=true Thu, 10 Apr 2025 15:41:00 +0300 Simon Einstein Начнем разбирать по шагам.Начнем разбирать по шагам

Как устроена художественная практика?

Как устроена художественная практика? Начнем разбирать по шагам.

У структуры бывает много форм. Кто-то строит практику как систему, кто-то — как поток, кто-то — как карту, по которой еще только предстоит пройти. Но в любом случае важно научиться смотреть на свою практику со стороны и обозревать ее цельно.
Сегодня мы начинаем разговор о структуре художественной практики. Покажем, как можно осмыслять свою деятельность и на что опираться в ежедневной работе.
Этот пост — первый в серии. Мы поговорим о наблюдениях, исследованиях, визуальном языке и формулировке своего пути. В следующих публикациях продолжим — обсудим, что делать с этим знанием, как оно помогает вам расти, и почему обратная связь — один из самых мощных инструментов в художественной среде.

А ещё — на примере, вы можете попрактиковаться как давать обратную связь. Пишите в комментариях, что оказалось для вас самым важным. Это поможет нам сделать следующие посты точнее и полезнее.A climbing wall is an artificially constructed wall with grips for hands and feet, usually used for indoor climbing, but sometimes located outdoors. Some are brick or wooden constructions, but on most modern walls, the material most often used is a thick multiplex board with holes drilled into it.
]]> Лекция https://www.lumen-sch.ru/tpost/dk5g197671-lektsiya https://www.lumen-sch.ru/tpost/dk5g197671-lektsiya?amp=true Sat, 12 Apr 2025 15:41:00 +0300 Gregory Willson Никита Слинкин— «Тихое сопротивление: что такое пикториальная фотография»?

Лекция

Рекомендуем посмотреть запись лекции историка фотографии Никиты Слинкина— «Тихое сопротивление: что такое пикториальная фотография»?

Пикториальная от англ. «pictorial» живописный. Пикториальная фотография — первое масштабное направление в истории второй половины XIX — начала XX веков, в котором фотография пыталась заявить о себе как о равноценном живописи, графике и скульптуре виде искусства.

Самыми известными представителями этого направления были Джулия Маргарет Камерон, Оскар Рейландер, Альфред Стиглиц и Эдвард Стайхен.

Фото: Питер Генри Эмерсон, The Old Order And The New, 1885 , Джулия Маргарет Камерон, O hark! O hear! , 1875, Эдвард Стайхен, The Flatiron, 1904, Александр Гринберг, Этюд движения, 1928, André Hachette, Female profile with red headdress, 1905Games played with curved sticks and a ball can be found in the histories of many cultures. In Egypt, 4000-year-old carvings feature teams with sticks and a projectile, hurling dates to before 1272 BC in Ireland, and there is a depiction from approximately 600 BC in Ancient Greece, where the game may have been called kerētízein or because it was played with a horn or horn-like stick. In Inner Mongolia, the Daur people have been playing beikou, a game similar to modern field hockey, for about 1,000 years.
]]> Сегодня — поговорим о смыслах https://www.lumen-sch.ru/tpost/8jiskcp1k1-segodnya-pogovorim-o-smislah https://www.lumen-sch.ru/tpost/8jiskcp1k1-segodnya-pogovorim-o-smislah?amp=true Thu, 08 May 2025 14:09:00 +0300 Евгения Игнатова Заключительная часть серии про структуру художественной практики

Сегодня — поговорим о смыслах

В этот раз формат иной - это не карусель, ппоскольку не все темы раскрываются в емком формате четких определений. Смыслы как тема слишком флюидные и они требуют времени, погружения и пространства, в котором можно не знать наверняка.

Итак:
Как находить смысл в том, что вы делаете?
Как осознанно формировать свою художественную практику, чтобы она стала ваша?

Вам помогут ваши собственные действия в рамках художественной практики. Ага, всего-то))
По сути, вы должны начать делать еще не понимая своих смыслов, чтобы найти и присвоить их себе по пути.
Через честное внимание к себе. Через развитие своего интересса и исследование (то есть все те этапы, о которых мы говорили ранее)
В своей практике вы идёте в сторону того, что не можете игнорировать.
И по ходу задаёте себе вопросы:

— Почему мне важно именно это?
— Что в этом откликается?
— Как я хочу это использовать?

Ответы не сразу будут складываться в систему. Сначала это будут ощущения, ассоциации и интуиция. Постепенно вы начнете выделять слова и фразы, потом из этого появляется смысл. В поиске своего очень помогает говорить с коллегами, записывать свои мысли и то, что они говорят о ваших работах для анализирования. Читать и записывать снова свои мысли, чтобы опираться на них. Не помогает - тупо переписать то, что вы увидели у другого (будь это проект другого художника или цитата философа).

Первый проект чаще всего самый трудный.
Вы ещё не присвоили свои инструменты, не выстроили свой подход. Часто работаете через чужое.
Со вторым — уже легче.
К третьему — появляется ощущение почвы.
Вы начинаете слышать себя внутри процесса.

Например, в моём проекте «Мир, моя душа» — он стал четвёртым по счёту — я уже ясно чувствовала, что именно я делаю, почему и как.
Формулировка пришла не в процессе работы над проектом, а когда я писала заявку на резиденцию.
А сам проект был сделан (физически снят и обработан) всего за несколько дней — во время самой резиденции.
Но до этого была долгая внутренняя работа, обдумывание, и три проекта до него.
У меня уже были наработки, смыслы, темы, которые со мной давно.
Просто раньше они не встраивались в высказывание, не становились материалом.
А в этот раз — всё сошлось. Я собрала проект из того, что уже давно было внутри.

Это и есть практика.
Наблюдать. Спрашивать. Проверять.
Не бежать вперёд, давать себе время, чтобы определить а что же именно твое, не превращать всё в контроль, но помнить о системе.
Быть в своей практике и дать ей проявиться.
Фотографии взяты из проекта Евгении Игнатовой Мир, моя душа. Вы можете перейти по ссылке, прочесть текст проекта, посмотреть саму работу и предыдущие работы и расписать для себя - что выросло откуда? Какие интсрументы я уже использовала ранее? Как пришла к этому проекту?

Такого плана анализ тоже может стать подспорьем - вы увидете именно то, что будет интересно только для вас.
]]> Имоджен Каннингем и Ансель Адамс https://www.lumen-sch.ru/tpost/gotvr3o1i1-imodzhen-kanningem-i-ansel-adams https://www.lumen-sch.ru/tpost/gotvr3o1i1-imodzhen-kanningem-i-ansel-adams?amp=true Thu, 15 May 2025 12:02:00 +0300 История одного снимкаФотография: Алан Росс (Alan Ross), Imogen Cunningham and Ansel Adams, Carmel, 1975

Имоджен Каннингем и Ансель Адамс

Имоджен Каннингем (Imogen Cunningham, 1883 – 1976) — американский фотограф, одна из участников важного в истории фотографии объединения — «группы f/64». Известна работами с обнаженной натурой, портретами и натюрмортами.

Ансель Адамс (Ansel Adams, 1902 – 1984) — американский фотограф, известный своими чёрно-белыми снимками американского Запада. Один из самых ярких мастеров фотографии XX века. Адамс является автором ряда книг, включая трилогию «Камера», «Негатив», «Отпечаток». Одним из основателей фотографической «группы f/64».
Имоджен приехала из Сан-Франциско в Кармел (невероятное местечко - город, где жил Ансель Адамс) по заказу журнала «People». Нужен был портрет Анселя для статьи о нем. Они были давними коллегами и друзьями, очень любили друг друга, но их общение зачастую оказывалось бесконечным ворчанием и раздражением. Ансель клялся, что в жилах Имоджен вместо крови течет уксусная кислота.

Так вот, Имоджен приехала в Кармел и сказала: «Хорошо Ансель, раз уж я буду фотографировать тебя, ты будешь фотографировать меня». Ансель начал отказываться и ворчать, что у него нет на это времени. Имоджен все уговаривала и уговаривала его. И наконец он сдался и попросил меня принести Hasselblad.

Снимок Имоджен и Анселя получился как раз в тот момент, когда Ансель только настраивал камеру и крепил ее на штатив. Имоджен стоит позади и хмурится, а Ансель сморит в объектив и улыбается. Все это в итоге было очень весело.

Рассказ Алана Росса
]]> Джон Балдессари https://www.lumen-sch.ru/tpost/dcv57nl2a1-dzhon-baldessari https://www.lumen-sch.ru/tpost/dcv57nl2a1-dzhon-baldessari?amp=true Tue, 13 May 2025 15:19:00 +0300 «Я ищу образы, которых нет в словаре», - говорил Бальдессари. «Мне нравится смущать зрителя чем-то совершенно простым, а с другой стороны, создавать сложносоставные предметы, в которых возникают сопряжение и косвенный смысл».

Джон Балдессари

Джон Балдессари (John Baldessari 1931 - 2020) - американский художник-концептуалист, известный своими работами с использованием найденных фотографий и апроприированных изображений. Был живописцем, но в середине 1960-х годов начал включать в свои полотна тексты и фотографии. В 1970 году начал работать в области гравюры, кино, видео, инсталляции, скульптуры и фотографии. Он создал тысячи работ, которые демонстрируют и во многих случаях сочетают в себе повествовательный потенциал изображений и ассоциативную силу языка в границах произведения искусства. Его работы повлияли на творчество Синди Шерман, Барбары Крюгер и других.
«Я ищу образы, которых нет в словаре», - говорил Бальдессари. «Мне нравится смущать зрителя чем-то совершенно простым, а с другой стороны, создавать сложносоставные предметы, в которых возникают сопряжение и косвенный смысл».
Работы Джон Балдессари: 1 - «I am Making Art», 1971, 2 - «I Will Not Make Any More Boring Art», 1971, 3 - Untitled, 1986, 4 - «Study for Splattered Faces», 1990, 5 - «e.g., Grass, Water Heater, Mouths, & etc». (for John Graham), 1994, 6 - «Raised Eyebrows/ Furrowed Foreheads: Two Foreheads (One Green)», 7 - «Crowd with Shape of Reason Missing: Example 1», 2012, 8 - «The News: Three Men Leaving House...», 2014 .
]]> Эммет Гоуин https://www.lumen-sch.ru/tpost/0ezt69yir1-emmet-gouin https://www.lumen-sch.ru/tpost/0ezt69yir1-emmet-gouin?amp=true Thu, 15 May 2025 20:00:00 +0300 «Самые главные фотографии воплощают в себе то, что мы еще не поняли».

Эммет Гоуин

Эммет Гоуин (Emmet Gowin, 1941) - современный американский фотограф. Становится заметной фигурой в начале 1970-х благодаря смелой серии портретов своей жены Эдит, а также хронологии жизни ее семьи.

Позднее работа Эммета Гоуина будет обращена к разным темам, включая аэрофотоснимки ландшафтов американского Запада. Фотографии Хэнфордского полигона и испытательных мест в Неваде создают у наблюдателя ощущение всепоглощающего опустошения искаженных ядерными испытаниями территорий.
Гоуин совмещал карьеру фотографа с преподаванием в Принстонском университете, где вел мастерские более тридцати пяти лет.
«Фотография подобна молитве, подношению, и надеюсь, открытию, в котором мы можем найти то, что не знали раньше или знали, но не воспринимали всерьез. Самые главные фотографии воплощают в себе то, что мы еще не поняли».
Эммет Гоуин
]]> Инструмент недели: Подарок будущему себе https://www.lumen-sch.ru/tpost/540hryhnp1-instrument-nedeli-podarok-buduschemu-seb https://www.lumen-sch.ru/tpost/540hryhnp1-instrument-nedeli-podarok-buduschemu-seb?amp=true Mon, 19 May 2025 15:38:00 +0300 Эта рубрика — про маленькие шаги в сторону устойчивой художественной практики. Каждую неделю — короткий инструмент, чтобы чуть-чуть подвинуть опоры.

Инструмент недели: Подарок будущему себе

Мы часто думаем о будущем как о чём-то тревожном и неопределённом (хотя это полезнейший навык художника - переносить неопределенность). Но есть простое упражнение, которое может мягко изменить эту перспективу.
Попробуй представить: что твоему будущему "я" может пригодиться?
Не через год и не через пять, а завтра утром. Или в субботу. Или через три часа.

Это может быть что-то крошечное:
- заранее правильно сохраненный файл с заявкой, чтобы не искать
- сохранённый референс, потому что “потом забуду”
- чистый стол перед сном (чистота дома = порядок в мозгах, дорогие мои)

Это может быть что-то покрупнее:
- расписанный план действий по шагам на неделю в календаре (чтобы не забыть, не упустить, начинать день, понимая объем работы)
- подготовка портфолио
- разбор архива

Тут важно не только само действие, но и отношение к нему.
Ты не просто “заполнил календарь”, ты сделал подарок тому художнику, которым станешь чуть позже. И воспринимай это именно так, а не давлеющее чувство тревоги от того, что еще надо сделать. Если тревога давит, то снижай шаг до будущего и весомость задачи.

Попробуй на этой неделе:
Один раз в день задать себе вопрос:
“Что я могу сделать сейчас, чтобы себе помочь потом?”

Почему это работает:
Потому что думая о будущем, ты видишь конечную точку (что надо сделать? Каким ты хочет быть?) и можешь разложить путь на шаги.
Это практика, а не волшебство.

Хочешь делать такие шаги регулярно?
На курсе мы встроили это в ритм занятий, и тебе не нужно делать это одному.
Смотри подробности тут
Фото из серии Rinko Kawauchi murmuration
]]> Как сделать фотографию без камеры, телефона и любой другой техники, снабженной объективом? https://www.lumen-sch.ru/tpost/pahszjes51-kak-sdelat-fotografiyu-bez-kameri-telefo https://www.lumen-sch.ru/tpost/pahszjes51-kak-sdelat-fotografiyu-bez-kameri-telefo?amp=true Tue, 20 May 2025 13:07:00 +0300 Отвечаем — с помощью альтернативных техник.

Как сделать фотографию без камеры, телефона и любой другой техники, снабженной объективом?

Как сделать фотографию без камеры, телефона и любой другой техники, снабженной объективом?

Отвечаем — с помощью альтернативных техник. Своим опытом создания бескамерных изображений поделилась фотохудожник Евгения Соломатина.
В прошлом году у меня была возможность познакомиться с разными альтернативными фотографическими процессами. Удалось поработать в технике пинхолл, с фотограммами, лайтограммами, химиграммами.

Мой проект «Переход» — это серия изображений, полученных методом ручной печати без применения фотокамеры. В проекте изображения приобретают свойства объектов, теряя возможность воспроизведения. Итогом работы становится инсталляция, созданием которой я занимаюсь сейчас.
Читать материал
Фотографии: Мэрайя Робертсон, Кристиан Шад, Дайсуке Йокота, Ман Рэй, Уильям Генр Фокс Талбот, Валид Бешти, Евгения Соломатина, Жюстин Варга
]]> Инструмент: дедлайн. Зачем он художнику и как с ним работать? https://www.lumen-sch.ru/tpost/0ni39chnx1-instrument-dedlain-zachem-on-hudozhniku https://www.lumen-sch.ru/tpost/0ni39chnx1-instrument-dedlain-zachem-on-hudozhniku?amp=true Thu, 29 May 2025 11:22:00 +0300 Поговорим о том, в каком поле работают инструменты, и разберём один из самых недооценённых — дедлайн.

Инструмент: дедлайн. Зачем он художнику и как с ним работать?

В прошлый раз мы начали говорить об инструментах художественной практики и обсудили подарок будущему себе как способ сохранить фокус и намерение. Сегодня — следующий шаг. Поговорим о том, в каком поле работают инструменты, и разберём один из самых недооценённых — дедлайн.
Вдохновение еще не система
Многие люди, особенно находящиеся вне профессионального искусства, думают, что художника двигает только вдохновение. Что работа появляется, когда “муза пришла”. Когда “потянуло порисовать”, “захотелось сказать”. Это может быть правдой в самом начале, когда практика только зарождается, но если искусство становится вашей работой, приходится действовать и когда:
Галерея принимает заявки на выставки только в январе, только с новыми проектами, которые не были показаны ранее. Допустим, сегодня апрель. Значит, у художника есть девять месяцев. Если он заинтересован в выставке, ему нужно:— не хочется;
— нет вдохновения;
— неудачное время;
— ничего не понятно;
— ты в другом проекте.

Художнику, как и любому профессионалу, нужно средство, чтобы продолжать двигаться. Таким средством может быть дедлайн — ограничение, которое не душит, а даёт форму.
Пример 1: работа с грантами

Представим ситуацию:

Художник подаёт заявку на грант в январе 2024 года, получает положительный ответ в декабре, и реализация проекта планируется на лето 2025 года.
Всё это время он уже может быть внутри другого проекта, в другом контексте. Хотя, согласившись на реализацию, берёт на себя обязательства. И здесь без структуры планирования, дедлайна и многозадачности не обойтись. Иначе ни текущий проект не доделать, ни грантовый не выполнить.
Пример 2: выставка

Галерея принимает заявки на выставки только в январе, только с новыми проектами, которые не были показаны ранее. Допустим, сегодня апрель. Значит, у художника есть девять месяцев. Если он заинтересован в выставке, ему нужно:
— придумать идею;
— разработать её;
— создать работы;
— задокументировать;
— подготовить заявку.
А дальше — только вопрос метода и медиа: успеет ли он сделать это за девять месяцев?
Если да — отлично. Если нет — либо проект надо переработать, либо нести его в другую институцию.
Почему дедлайн — это инструмент?
Потому что он помогает материализовать намерение.
Он — как коробка с крышкой: не даёт идеям расползаться, собирает в форму, ограничивает бесконечные доделки, подталкивает к завершению.

При этом дедлайн, как любой инструмент, можно использовать правильно и неправильно.
✖ Дедлайн “завтра” для проекта, который делается четыре месяца — неадекватный.
✔ Дедлайн, встроенный в систему целей и шагов, — движущая сила.

Как работает адекватный дедлайн:

Чтобы дедлайн стал полезным, а не тревожным, нужно:
  1. понять цель (что должно быть готово)
  2. разбить путь на шаги (какие действия приведут к цели)
  3. оценить реальные сроки (сколько времени это потребует на практике)

Теперь вы можете:
  • оценить адекватность дедлайна,
  • подстроить его под себя,
  • встроить в более широкую систему работы.

Дедлайн как забота

Принято считать, что дедлайн — это давление.
Но в художественной практике он может быть и проявлением заботы о себе будущем, о проекте, о пути.
Дедлайн становится не кнутом, а рамкой, в которую легче вписать усилие.

И в этом смысле он работает только вкупе с системой, с регулярностью, с пониманием своих возможностей.
Хороший пример такого подхода в работе - опыт американской художницы Tarin Saimon. Иллюстрируем пост ее работами.
]]> Инструмент: среда https://www.lumen-sch.ru/tpost/77btu9ash1-instrument-sreda https://www.lumen-sch.ru/tpost/77btu9ash1-instrument-sreda?amp=true Wed, 04 Jun 2025 17:59:00 +0300 О том, зачем художнику «свои»?

Инструмент: среда

Мы продолжаем разговор об инструментах художественной практики. В предыдущем тексте речь шла о дедлайне как о способе задать структуру, сохранить фокус и довести проект до реализации. Сегодня поговорим о другом, не менее важном ресурсе — профессиональной среде.

У художника, особенно в начале пути, может складываться впечатление, что работа — это в первую очередь индивидуальный процесс. Однако в долгосрочной перспективе среда, в которой вы находитесь, и связи, которые вы выстраиваете, оказывают существенное влияние на развитие практики и возможности её предъявления.

Что я подразумеваю под средой?

Это не только галереи, институции и кураторы. Среда — это и художники, с которыми вы вместе учитесь, участвуете в воркшопах, пересекаетесь на резиденциях, в ревью, конкурсах и открытых заявках. Это люди, чьи проекты вызывают у вас интерес и отклик. Те, кто, как и вы, сейчас находится в поиске, в процессе, в движении.

На разных образовательных программах и событиях важно замечать тех, с кем возникает профессиональное взаимопонимание. Я советую не упускать возможность — связываться с такими людьми, поддерживать контакт, предлагать объединиться, работать вместе. Это может быть совместный мини-проект, коворкинг, регулярный обмен обратной связью. Возможность показать рабочую версию проекта, получить комментарии, задать вопросы — это важная часть устойчивой практики.

Кроме того, если вы подаётесь на опен-коллы, участвуете в ревью или планируете отправку портфолио, — я рекомендую обращаться напрямую к организаторам или жюри.

Спрашивать (то, чего нет в описании и ФАКе, покажите, что все изучили и все равно есть вопрос), уточнять, представляться, интересоваться. Такой контакт может дать не только более объективную оценку вашего проекта, но и послужить дополнительной точкой видимости — вы формулируете, в каком процессе находитесь, как развивается проект, какие вопросы вы ставите.

В этом смысле среда — это не просто «знакомства» или «нетворкинг».

Это поле, в котором вы можете расти. Где есть возможность увидеть отклик, получить обоснованную реакцию, а иногда и помощь. Это может быть как уже существующее сообщество, к которому вы присоединяетесь, так и инициативная группа, которую вы формируете самостоятельно. Первый путь подойдёт тем, кому важно экономить ресурсы, второй — тем, кому интересно и органично инициировать объединения и тем, кто открыт к общению.

Отдельно хочу подчеркнуть значимость контактов с теми, кто сейчас находится на том же уровне развития карьеры, что и вы. Через несколько лет вы все будете двигаться вперёд, и поддержка, возможность сверки, совместной работы и обсуждений, заложенная сейчас, будет особенно ценна. Вдохновляться проектами более опытных авторов важно, но прямая, человеческая и профессиональная связь с коллегами «по времени» зачастую даёт более точную и актуальную опору.

Среда — это не готовый инструмент. Она требует времени, внимания и открытости. Но, выстроенная с опорой на интерес, уважение и профессиональную симпатию, она становится важной частью устойчивой художественной практики.
В качестве визуализации сегодня взяла работы Торнбьерна Родланда, это отличный пример хужожника росшего в среде. Он участник Бергенской сцены и он сам часто в интервью подчеркивает значение "профессионального диалога и этического коммьюнити".
Фотографии: Торбьёрн Родланд, Hands and Eyes. Portrait no. 1, 2008 – 2010, документация выставки«Oh My God You Guys», Le Consortium, 2023-2024, Bathroom Tiles, 2010, First Altarpiece, 2018, Golden Lager, 2006, Eggs, 2019, разворот из книги «The Pregnant Virgin», MACK Books, 2023, Apple, 2006.
]]> Инструмент: форма https://www.lumen-sch.ru/tpost/vpdf63o9d1-instrument-forma https://www.lumen-sch.ru/tpost/vpdf63o9d1-instrument-forma?amp=true Wed, 11 Jun 2025 18:30:00 +0300 Что дает форма и как с ней работать?

Инструмент: форма

Мы продолжаем разговор об инструментах художественной практики. В прошлый раз речь шла о профессиональной среде — связях, поддержке, совместной работе. Сегодня поговорим о другом, не менее важном ресурсе — форме.

Художественный проект может рождаться по-разному. Иногда он начинается с идеи, которая требует исследования, поиска материала и реализации. А иногда — из уже отснятых фотографий, в которых со временем проясняется тема и складывается структура. И в том, и в другом случае форма становится важным инструментом, который помогает этой теме обрести чёткие контуры и звучание.

Сегодня посмотрим на форму, как на способ организации. Вы выбираете, как проект будет существовать: как книга, выставка, серия, сайт, инсталляция. Формат влияет на структуру, ритм, монтаж, восприятие. Он задаёт систему, в которой становится понятно, что входит в проект, а что — нет.
Можно представить себе форму как рамку, в которую вы вставляете свою работу. Пока рамки нет — вы можете двигаться в любом направлении. Но когда рамка появляется, вы начинаете видеть не только границы, но и логику: что в этом проекте главное, что второстепенное, где фокус, а где атмосферные детали.

Пример: если вы решаете, что проект будет фотокнигой — вы начинаете думать о размере страницы, наличии или отсутствии текста, о последовательности и ритме изображений, о визуальных паузах и напряжениях. Выстраивается логика повествования.

Если это выставка — возникают другие вопросы: как фотографии взаимодействуют с пространством, где зритель входит в проект, как движется внутри него, остаётся ли в одной точке или перемещается. Какие образы работают крупно, а какие — в серии.

Даже если вы не знаете финальный формат сразу — важно начать задавать себе эти вопросы как можно раньше. Это помогает сразу нацелиться и держать в голове результат. Начальная форма — пусть даже условная или временная — служит опорой, на которую можно оглядываться в процессе. Возникает понимание: что вы делаете, зачем, и как.

Работа с формой — это и способ анализа. При сборке сразу видно, где не хватает материала, где повторы, что выбивается. Это позволяет не просто «дособрать» проект, а задать себе нужные вопросы: может ли идея быть точнее, нужно ли переснять, сместить акценты, поменять ритм?

Форма влияет и на сам процесс съёмки. Она направляет выбор: какие образы работают, как строится взаимодействие с героями, какие визуальные приёмы актуальны. Это не ограничение, а метод концентрации.

Форма не всегда приходит сразу. Я бы сказала, что возникает она через практический опыт и формируется именно вашим методом работы (в начале), а в последствии - вы получаете заточенный именно под вас инструмент(вами заточенный, между прочим). Вы можете начать искать свою форму через тесты, драфты, макеты.
В качестве визуального примера — книги и выставочные снимки Dayanita Singh. В своей практике она работает с формой как с пластическим инструментом - ее выставочное пространство имеет “форму книги”.
Dayanita Singh, Passion II, 2024, Archival pigment print mounted on aluminium
Dayanita Singh, Museum Bhavan, 2017
Dayanita Singh, Museum Bhavan, 2021, accordion photo books in handmade cloth boxes
Dayanita Singh, Architects' Gathering, 2024 Teak panel and archival pigment prints 12 prints
]]> Личный бренд художника https://www.lumen-sch.ru/tpost/ndz9tm6js1-lichnii-brend-hudozhnika https://www.lumen-sch.ru/tpost/ndz9tm6js1-lichnii-brend-hudozhnika?amp=true Wed, 18 Jun 2025 18:11:00 +0300 Зачем он нужен и как работает?

Личный бренд художника

Начнем с парадокса: у художника, чтобы его работа была замечена, должно быть видно не только искусство, но и самого автора.

Проявленность — ключ. Неважно, через какую форму: текст, визуал, голос, видео, сайт, портфолио, участие в подкасте или интервью — чем больше вы позволяете себя «узнавать», тем больше вероятность, что ваше имя всплывёт у куратора, когда он будет искать художника на выставку именно на эту тему.

Это не «самопиар», а простая логика поля: куратор или институт не сможет включить в контекст человека, о котором не знает.

Если вы делитесь — о чём работаете, как думаете, какие у вас ориентиры — вы становитесь частью разговора, а не наблюдателем со стороны.

Что такое личный бренд в контексте художественной практики?

В случае с искусством, это про узнаваемость вас как художника через:
  • тему и позицию,
  • визуальный и речевой стиль,
  • устойчивое присутствие в медиаполе,
  • активность, которая подтверждает, что вы в деле.

Из чего складывается личный бренд художника?

1. Позиция, тема, язык и форма

Самое сильное, это когда вы понимаете, о чём вы работаете.
Когда ваш проект есть продолжение мысли, которую вы ведёте через разные формы. Это может быть тема: экология, травма, женская идентичность, граница, архив. Может быть жест, метод: работа с текстом, с документом, с телом, с абстракцией.
Чёткая тема = чёткий запрос. Вас легче найти, легче позвать, легче понять — особенно в международном поле.
Всё, что вы делаете — от описания на сайте до текста в инстаграме — это часть высказывания. И когда ваш язык (словесный и визуальный) созвучен вашему искусству, всё работает на одно: узнаваемость и доверие.
2. Художественная активность как образ действия
Даже если вас пока не приглашают в музей, вы уже можете активно заявлять о себе:
  • подавать заявки на open calls и резиденции,
  • участвовать в фотоконкурсах,
  • делать самостоятельные выставки или поп-апы,
  • выпускать фотокниги, зины, каталоги.

Важно: не стоит ждать, что “где-то там” за вас примут решение.
Каждая подача — это тоже шаг в выстраивании бренда: вы вкладываете свои проекты в архивы институций, кураторов, грантовых программ.
И даже если вы не прошли отбор — ваше имя и проекты были показаны жюри, и кто знает, к чему это приведет позже.
3. История и ясность
Ваша биография есть повествование о пути - дайте этому повествованию работать на вас.
Где вы учились, как пришли в искусство, какие были переломные моменты, что стало толчком к проекту.
Это не значит «раскрывать личное» — так вы даете контекст.
Куратору и зрителю важно понимать: кто вы, откуда, чем обусловлен ваш интерес.
Чем понятнее этот путь (и в тексте, и в проекте), тем легче воспринять вашу работу.
4. Публичность: СМИ, соцсети, выступления
Медиа — важный инструмент.

Публикации, интервью, подкасты, паблик-токи, even сторис в социальных сетях — это всё не про «хайп», а про социальное подтверждение: вы говорите, значит, вы в поле.

Как это работает:
  • Упоминание на сайте институции (например, резиденции или выставки) — это уже след в художественном поле.
  • Интервью в тематическом медиа — усиливает вашу позицию, показывает мышление.
  • Даже простая колонка или участие в подкасте делает вас более узнаваемым.
  • Социальные сети — не обязаны быть глянцем. Но если вы готовы показывать процесс, делиться мыслями — это создает ощущение присутствия, вовлекает и поддерживает интерес.

💡 Пока вас никто не зовёт — пишите сами. Медиа постоянно нуждаются в контенте.

Главное — выбирать подходящие площадки (с фокусом на искусство, культуру, личный опыт), и обращаться с ясным предложением: кто вы, почему ваша история важна.

Последовательность и точность

Личный бренд — это не попытка понравиться.

Это работа на узнаваемость через постоянное присутствие, ясное высказывание и устойчивое действие.

Проверьте, что у вас есть:
  • тема, которая читается из проекта в проект,
  • стиль визуальный и текстовый,
  • регулярная активность (заявки, проекты, публикации),
  • открытость к диалогу (через тексты, выступления, соцсети),

Тогда даже при небольшом охвате у вас формируется поле доверия и узнавания. И это и есть личный бренд художника.
В качестве фотосопровождения сегодня широко известная Вивиан Сассен и ее проект Umbra.
Viviane Sassen, Umbra photobook
]]> Пленочный средний формат. Портреты. https://www.lumen-sch.ru/tpost/my7myzgcg1-plenochnii-srednii-format-portreti https://www.lumen-sch.ru/tpost/my7myzgcg1-plenochnii-srednii-format-portreti?amp=true Mon, 23 Jun 2025 22:20:00 +0300 Чем хорош пленочный средний формат в съемке портретов?

Пленочный средний формат. Портреты.

Пленочный средний формат в портретной съемке — очевидный выбор авторов, которые ценят качество изображения, несопоставимое с другими форматами. Несмотря на то, что этот метод требует больше усилий и затрат, чем съемка на цифровую камеру, результаты часто выделяются среди других профессиональных работ. Почему это мнение разделяет профессиональное сообщество и чем оно обусловлено?
Разрешение изображения: среднеформатная пленка, например, 6x6, 6x7, 6x9 см, имеет значительно большую площадь негатива, чем 35-мм пленка, что позволяет фиксировать больше деталей. Идеально подходит для больших отпечатков c плавными тональными переходами без потери резкости и чрезмерной зернистости.
Малая глубина резкости и плавное боке: большая площадь пленки обеспечивает меньшую глубину резкости при эквивалентных диафрагмах по сравнению с 35-мм или цифровым полнокадровым фотоаппаратом, создавая мягкое боке, которое великолепно изолирует объект съемки. Многие среднеформатные объективы, например, Hasselblad Zeiss или Mamiya Sekor, оптимизированыдля портретной съемки с плавными переходами фокуса.
Перспектива и ракурс: фокусные расстояния объективов, например, 80 мм или 150 мм для камер среднего формата больше, чем для малоформатных камер. Они обеспечивают перспективу с меньшими искажениями, благодаря чему черты лица героев съемки выглядят естественнее.
Широта тонального и динамического диапазонов: пленка, особенно среднего формата, имеет более широкий динамический диапазон, чем многие цифровые матрицы, сохраняя детали в светах и тенях. Цвета и оттенки кожи выглядят органично и естественно, особенно при использовании Portra 400, Ektar 100 или Fuji Pro 400H.
Медленный, целенаправленный процесс съемки: из-за ограниченного количества кадров и высокой стоимости пленки работа со среднеформатной камерой способствует созданию осмысленной композиции и внимательной, неспешной работе с героями. Таким образом, нередко складываются особенные тонкие работы.
Уникальная пленочная эстетика и характер пленок: каждая марка пленки имеет свою цветовую палитру, структуру зерна и контрастность, что позволяет получить особенную передачу изображения.
Сменные задние панели и гибкость процесса: некоторые системы, например, Hasselblad V-серии или Mamiya RB/RZ, позволяют менять задние панели камер – держатели пленки или так называемые «задники» в середине процесса, что позволяет быстро переключаться между различными видами пленки черно-белой и цветной.
Лучшие среднеформатные камеры для портретов:
- Hasselblad 500CM (6x6, легендарные объективы Zeiss);
- Mamiya RB67 / RZ67 (6x7, вращающаяся задняя панель для вертикальной/горизонтальной съемки);
- Pentax 67 (6x7, зеркальная камера с потрясающими объективами);
- Bronica SQ-Ai (6x6, более доступная альтернатива Hasselblad).
Несколько примеров портретов, снятых на камеры среднего формата в разное время: 1, 2 - Margo Ovcharenko, 3, 4 - Hellen van Meen, 5 - Dennis Stock Dennis, John Wayne on the set of the film «Alamo», 1959, 6 - Dennis Stock, James Dean visited the town where he had spent his youth, 1955, 7 – Vivian Maier, Undated
]]> Как распознать ChatGPT в вашей работе? https://www.lumen-sch.ru/tpost/mlxruhlpc1-kak-raspoznat-chatgpt-v-vashei-rabote https://www.lumen-sch.ru/tpost/mlxruhlpc1-kak-raspoznat-chatgpt-v-vashei-rabote?amp=true Thu, 26 Jun 2025 13:32:00 +0300 Поговорим о том, как текст передает ваши смыслы (и ваши ли они)?

Как распознать ChatGPT в вашей работе?

Вы хотите, чтобы текст говорил за вас, передавая нужные ощущения. Смыслы. Перспективы. Зритель захвачен стилистикой вашей речи и легче воспринимает информацию.

На самом деле нет.
Это не будет текст против искусственного интеллекта. Он действительно помогает в работе. Отрицать его сейчас было бы глупо. Но! Так же глупо — использовать все, что выдал чат, как есть. Без правок, без адаптации, без включенности.
Давайте рассмотрим три признака, по которым видна не «работа с чатом», а отсутствие работы после чата:
1. Короткие. Емкие. Предложения. Через точку.
Атмосферно? Возможно это так было, но если в современном тексте так строится весь блок — это уже штамп. Такой стиль читается как "по инструкции из TikTok", и вызывает как минимум недоверие.
Что поменять?
Просите чат стилизовать текст под вашу реальную речь. Давайте ему образец вашего текста (или того, чья стилистика вам близка) — пусть отталкивается от живого, не шаблонного. Давайте опорные, обязательные для использования слова (например в сфере институционального инскусства у нас много словечек, которые показывают принадлежность и позволяют стилистически "причесать" текст. Только не используйте все в одном предложении, давайте разумно).
2. Вода
Прочитайте текст внимательно и уберите все слова, которыене меняют смысл. Только сделайте это самостоятельно.
Потому что если вы попросите убрать "воду" чат — он перепишет текст и не факт, что станет лучше.
Скорее он вернёт вам тот же стиль, от которого вы только что пытались уйти. Снова. Через точку. Емко.
(Вы поняли.)
3. Редактура
Проверьте оставшиеся слова и словосочетания - правда ли это?
Прямо читайте каждое словосочетание и проверяйте - есть ли это на самом деле в вашей работе? Если да, то корректно ли это написано? Сами бы вы так написали?
Не ведитесь на красивые слова, смотрите глубже в смысл.

Что делать с этим дальше?

Попробуйте применить это к своему тексту.
Прямо сейчас. Возьмите любой драфт и пройдитесь по этим трем пунктам.
Вы сразу увидите, как он стал читабельнее, глубже и "ваш".
P.S. Этот текст я тоже написала с помощью чата.
Моя точка зрения вся в тексте, это я накидала черновик.
Потом дала текст чату и добавила стилистический образец.
Почистила от лишнего. Вернула некоторые свои любимые фразочки.
То есть: использовала чат как инструмент, а не как автора.
Почему вообще использовать чат, если всё равно так много правок?
Потому что он дает хорошую структуру. Потому что он может предложить поинт, до которого ты сам бы не сразу дошёл или поправить то, что сформулировано криво.
Используйте новые инструменты. Не бойтесь их.
Но и не позволяйте им использовать вас.
Сегодня иллюстрацией будут работы бельгийского фотографа, в шортлисте 2015 Sony World Photography Awards Julie Van der Vaart
Обложка поста и первое фото из проекта spleen, далее deep time и mountains, waves and skies
]]>